Même avec une intrigue bien ficelée, il arrive parfois que certains moment d’un roman paraissent lents et mous.
Certaines scènes donnent l’impression de s’étirer. Les personnages discutent, réfléchissent, se déplacent, font des choses… mais on ne ressent pas vraiment de tension. On peut avoir cette sensation étrange que “rien ne se passe”, alors que, sur le papier, il se passe beaucoup de choses.
C’est cela un passage “mou”.
Mais une intrigue ne devient pas molle simplement parce qu’elle contient des scènes calmes. Le rythme narratif est beaucoup plus subtil que le simple enchaînement de scènes d’actions.
Alors, avant de réécrire entièrement votre manuscrit dans tous les sens, il peut être utile de de chercher pourquoi votre roman a des passages qui vous semblent mous.
Car la mollesse d’un récit peut avoir plusieurs origines possibles. Elle peut effectivement venir d’un problème de rythme, mais aussi d’une intrigue qui patine, d’une tension insuffisante, de personnages aux motivations floues, ou encore d’une narration trop fade.
Voici les cinq problèmes que je rencontre le plus souvent lorsqu’un roman manque de dynamisme et, surtout, comment les corriger.
Un problème de rythme
Le rythme est probablement le premier responsable auquel on pense lorsqu’un roman paraît mou. Pourtant, un problème de rythme ne signifie pas forcément que votre récit est trop lent.
Il peut aussi être trop monotone ou, au contraire, fonctionner en permanence en dents de scie.
Un rythme trop monotone
Certaines histoires enchaînent les scènes sur un tempo quasiment identique : Une conversation ⇒ une promenade ⇒ une autre conversation ⇒ une description ⇒ une nouvelle conversation.
Même si les événements sont différents, leur traitement produit la même sensation de vitesse. Le lectorat finit par ne plus percevoir de variation dans la progression du récit.
Cette monotonie peut également venir d’une succession de scènes construites sur le même modèle. Si votre personnage passe plusieurs chapitres à obtenir des informations en interrogeant successivement différentes personnes, par exemple, le problème ne vient pas forcément du fait que ces conversations sont mauvaises. Il vient peut-être simplement du fait qu’elles produisent exactement la même expérience de lecture.
Mon conseil
Pour rompre un rythme monotone, il faut varier les types de scènes et de tensions.
Une scène d’action peut être suivie d’une confrontation verbale, puis d’une scène d’enquête, puis d’un moment plus intime, puis d’une nouvelle montée de tension.
La variété peut aussi venir du type de tension : physique, émotionnelle, relationnelle, politique, mystérieuse, etc. L’idée n’est pas de faire monter la tension à chaque scène, mais de créer une courbe de rythme suffisamment variée.
Autre test extrêmement efficace :
Si vous vous ennuyez en écrivant une scène, il y a de fortes chances que votre lectorat s’ennuie encore davantage en la lisant.
Ce n’est évidemment pas une règle absolue : certaines scènes difficiles à écrire peuvent être essentielles. Mais si vous sentez vous-même que vous attendez simplement d’arriver à « la partie intéressante », prenez votre ressenti au sérieux.
Un rythme en dents de scie
L’effet inverse existe également. Une scène extrêmement intense peut être suivie d’une scène beaucoup plus calme, elle-même suivie d’une nouvelle explosion de tension. Dans ce cas, le problème n’est pas nécessairement que vos scènes calmes sont trop lentes. C’est
qu’elles sont comparativement beaucoup trop calmes.
Après un chapitre qui se termine par une bataille, une révélation majeure ou la mort d’un personnage, une conversation ordinaire peut ainsi donner l’impression que le récit s’est brusquement arrêté. Le lecteur ne juge pas chaque scène uniquement pour ce qu’elle est : il perçoit aussi son rythme par comparaison avec ce qui la précède et ce qui la suit.
Mon conseil
L’objectif n’est pas de rendre toutes les scènes aussi intenses les unes que les autres, mais de construire une progression qui offre suffisamment de variations pour que les moments calmes puissent réellement jouer leur rôle de respiration sans donner l’impression que l’histoire s’est arrêtée.
Travaillez vos scènes de transitions pour faire descendre l’intensité plus doucement pour éviter un effet de douche froide ou d’incongruité. Bien entendu, l’effet “douche froide” peut être utilisé dans le cadre d’un cliffhanger, par exemple, mais il faut qu’il soit utilisé consciemment.
Un problème d’intrigue
Une scène peut être calme, lente et parfaitement intéressante. Elle peut aussi être spectaculaire et pourtant totalement inutile. C’est là que se situe le problème d’intrigue : lorsque certaines scènes font peu avancer le récit, voire ne le font pas avancer du tout.
Les personnages peuvent se déplacer, discuter, réfléchir, se battre ou découvrir des éléments de leur environnement sans que leur situation ne change réellement. Si, après plusieurs pages, ils se retrouvent exactement au même point qu’au début de la scène, on peut légitimement avoir l’impression d’avoir beaucoup lu pour très peu de progression.
Cela ne signifie pas qu’une scène doit obligatoirement faire avancer l’action principale. Elle peut faire évoluer une relation, révéler une information, modifier un point de vue, approfondir un conflit, transformer les enjeux ou provoquer une décision. Mais il doit idéalement se produire quelque chose qui modifie la situation d’une manière ou d’une autre.
Mon conseil
Pour vérifier la légitimité d’une scène, vous pouvez l’examiner en vous posant une question très simple : qu’est-ce qui a changé entre le début et la fin ?
Si vous ne trouvez aucune réponse satisfaisante, demandez-vous ensuite ce qui se passerait si vous supprimiez complètement la scène. Si rien d’important ne change dans l’histoire, il est probable qu’elle soit inutile sous sa forme actuelle.
Cela permet notamment de repérer ce que l’on pourrait appeler de l’onanisme narratif : des passages écrits avant tout pour notre propre plaisir d’écrivain ou d’écrivaine, mais qui n’apportent finalement pas grand-chose au récit.
Cela peut être la description particulièrement poétique d’un paysage qui aurait plutôt sa place dans votre cahier d’exercice de style dans le chapitre “champ lexical” ou un exposé particulièrement long et fastidieux, mais surtout inutile, sur l’histoire de l’auberge où vos personnages font halte pour la nuit.
Tout cela peut être passionnant à concevoir, mais cela ne signifie pas nécessairement que tout doit figurer dans le roman, ou pas en détail.
Votre travail préparatoire sert justement à vous donner de la matière. Votre travail de rédaction consiste ensuite à sélectionner ce qui mérite réellement d’être montré. Tout ce que vous inventez n’a pas besoin d’être raconté.
Un problème de tension
Une intrigue peut avancer correctement tout en donnant une impression de mollesse si les enjeux sont trop faibles, trop obscurs ou insuffisamment exploités. Un personnage peut poursuivre un objectif et rencontrer des obstacles, mais si ces obstacles ne représentent pas réellement une difficulté et si l’échec n’aurait pas de conséquences importantes, le lecteur aura du mal à ressentir de la tension.
La première question à vous poser concerne donc les enjeux. Que risque réellement votre personnage ? Que va-t-il perdre s’il échoue ? Il n’est évidemment pas nécessaire de mettre sa vie en danger à chaque chapitre. Les enjeux peuvent être affectifs, relationnels, sociaux, politiques, matériels ou moraux. Une relation peut être compromise, un secret peut être découvert, une réputation peut être détruite, une mission peut échouer, une conviction peut être remise en cause ou une décision peut entraîner une conséquence irréversible.
Ce qui compte, c’est que le lectorat comprenne ce qui pourrait être perdu et pourquoi cela compte pour le personnage.
L’autre problème fréquent concerne la difficulté des épreuves. Les personnages peuvent rencontrer des obstacles, mais les franchir sans réellement en payer le prix. Ils ont besoin d’une information et quelqu’un la leur donne immédiatement. Ils doivent entrer quelque part et trouvent une porte ouverte. Ils doivent convaincre quelqu’un et un simple discours suffit. Ils affrontent un adversaire redoutable et découvrent qu’ils sont finalement beaucoup plus forts que prévu. Dans ces situations, le récit possède bien des problèmes, mais pas véritablement de tension, parce que le lecteur ne croit jamais que les personnages pourraient échouer.
Une véritable épreuve doit donc pouvoir mettre le personnage en difficulté. Elle doit parfois lui coûter quelque chose, le contraindre à revoir son plan, l’obliger à faire un choix ou provoquer une conséquence qu’il n’avait pas anticipée. C’est d’autant plus important lorsque vous travaillez sur un arc de personnage : les épreuves ne sont pas seulement là pour ralentir la progression. Elles doivent aussi contribuer à transformer le personnage.
Mon conseil
Pour renforcer la tension d’une scène, demandez-vous ce que risque votre personnage, ce qui l’empêche réellement d’obtenir ce qu’il veut et ce qu’il devra éventuellement sacrifier, perdre ou accepter pour continuer. Une difficulté qui ne produit aucune conséquence et qui ne met rien de véritablement important en jeu risque de paraître artificielle.
Cette souffrance n’a pas nécessairement besoin d’être physique. Un personnage peut souffrir parce qu’il doit trahir quelqu’un qu’il aime, renoncer à une conviction, choisir entre deux personnes, reconnaître qu’il s’est trompé ou accepter qu’une décision qu’il a prise a des conséquences qu’il ne peut plus réparer. Ce sont souvent ces difficultés-là qui donnent aux scènes leur véritable poids.
Un problème de clarté
Parfois, votre roman n’est pas vraiment lent : vos lecteurs et vos lectrices ne savent simplement pas clairement où va l’histoire. Cela arrive notamment lorsque les objectifs et les motivations des personnages sont floues, ou lorsqu’un personnage passe beaucoup de temps à hésiter sans que l’on comprenne précisément ce qui l’empêche d’agir.
L’hésitation peut pourtant être un excellent moteur dramatique. Un personnage qui sait ce qu’il devrait faire, mais qui se retrouve incapable de le faire parce que cela entre en contradiction avec ses valeurs, ses sentiments ou ses intérêts peut être beaucoup plus intéressant qu’un personnage qui agit immédiatement. Le problème apparaît lorsque l’hésitation ne produit aucun véritable conflit et devient simplement un moyen de retarder une décision.
Pour éviter cela, il est utile de clarifier les motivations de vos personnages. Pourquoi veulent-ils ce qu’ils veulent ? Pourquoi est-ce important pour eux ? Pourquoi veulent-ils obtenir cela maintenant ? Qu’ont-ils peur de perdre ? Quelles valeurs souhaitent-ils défendre et quelles limites refusent-ils de franchir ?
Ces éléments vous aideront également à construire des hésitations plus intéressantes. Au lieu de faire simplement faire dire à votre personnage qu’il ne sait pas quoi faire, vous pouvez créer un véritable conflit moral : il sait parfaitement quelle décision serait la plus raisonnable, mais cette décision implique de trahir l’une de ses valeurs fondamentales. Son hésitation devient alors le cœur même de la scène.
La gravité du conflit doit cependant rester proportionnelle au contexte. Tous les personnages n’ont pas besoin de choisir entre sauver le monde et trahir leur famille. Une hésitation autour d’un mensonge, d’une promesse, d’une relation ou d’une loyauté peut être tout aussi intéressante, à condition que l’on comprenne pourquoi cette décision est difficile pour ce personnage précis.
Plus vos personnages ont des motivations et des valeurs claires, plus leurs actions deviennent lisibles. Et cette lisibilité donne un point d’appui qui permet de suivre le récit même lorsque les personnages prennent de mauvaises décisions.
Un problème de narration
Enfin, votre intrigue peut être solide, vos enjeux intéressants et vos personnages bien construits, tout en donnant une impression de mollesse. Dans ce cas, le problème se trouve peut-être dans la manière dont vous racontez votre histoire.
Une bonne idée mal racontée peut sembler fade. Une scène passionnante sur le papier peut perdre toute son énergie à cause d’une rédaction trop lourde, de descriptions trop développées, d’explications qui interrompent constamment l’action ou de dialogues qui reformulent ce que le lectorat vient déjà de comprendre.
Le style lui-même peut produire une sensation de lenteur juste parce que les phrases sont trop longues, trop lourdes ou avec un vocabulaire pauvre. Surtout lorsque les mêmes informations sont répétées ou lorsque la narration passe beaucoup de temps à expliquer les pensées et les émotions des personnages au lieu de laisser certaines choses se comprendre à travers les actes et les paroles.
À l’inverse, une narration peut être parfaitement fluide et néanmoins manquer de personnalité. Tout est clair, grammaticalement correct et facile à lire, mais le texte est insipide parce que la voix narrative n’est pas suffisamment affirmée. Le travail consiste alors à développer votre style, en réfléchissant notamment au rythme de vos phrases, à votre vocabulaire, à votre manière de décrire, à la voix de votre narrateur et à la construction de vos dialogues.
Il faut également veiller à garder un ton cohérent avec le roman que vous écrivez. Imaginez un récit d’aventure particulièrement rythmé, construit autour de combats, de poursuites et de complots, dans lequel chaque chapitre s’interrompt régulièrement pendant plusieurs pages pour proposer des descriptions très poétiques du paysage. Ces descriptions peuvent être magnifiques prises individuellement, mais si elles produisent systématiquement une rupture trop importante avec le reste du récit, elles risquent de donner une impression de lourdeur.
À l’inverse, un roman contemplatif et introspectif pourra parfaitement supporter une prose beaucoup plus développée et descriptive. Il ne s’agit donc pas de dire qu’un style est trop lent ou trop lyrique dans l’absolu. Le style doit correspondre au ton du roman que vous cherchez à écrire et à l’expérience de lecture que vous voulez créer.
Alors, pourquoi votre roman est-il mou ?
Avant de réécrire votre intrigue ou d’ajouter de nouveaux rebondissements, essayez donc d’identifier le véritable problème.
Votre roman peut manquer de dynamisme parce que son rythme est trop monotone ou au contraire trop irrégulier, parce que certaines scènes ne font pas réellement progresser l’histoire, parce que les enjeux sont trop faibles ou les difficultés trop faciles, parce que les motivations des personnages manquent de clarté ou parce que votre narration ne possède pas suffisamment d’énergie.
Ces cinq problèmes peuvent bien sûr se cumuler. Une scène peut être trop longue, ne pas faire avancer l’intrigue, présenter des enjeux faibles, mettre en scène un personnage indécis et être racontée avec une prose particulièrement lourde. Dans ce cas, ajouter un rebondissement ou un combat ne suffira pas forcément à résoudre le problème.
La première étape consiste donc à identifier l’endroit précis où votre récit perd son énergie. Car un roman “mou” n’a pas nécessairement besoin de plus d’action.
Il a surtout besoin de progression, de variation, d’enjeux réels, de personnages qui savent ce qu’ils désirent et d’une narration qui donne envie de continuer à lire.
